Pablo Neruda, nasce il 12 Luglio 1904, muore il 23 Settembre 1973.
Vincenzo Bellini, nasce il 3 Novembre 1801, muore il 23 Settembre 1835.
Compositore italiano.
Composizioni :
Opere liriche :
Bianca e Gernando
La straniera
Zaira
I Capuleti e i Montecchi
La sonnambula
Beatrice di Tenda
I puritani
Composizioni vocali da camera :
Quando verrà quel dì
Venticiel che l'ali d'oro
Malinconia, ninfa gentile
Vanne, o rosa fortunata
Bella Nice, che d'amore
Almen se non poss'io
Per pietà, bell'idol mio
Ma rendi pur contento
Guarda che bianca luna
Vaga luna, che inargenti
L'abbandono
La ricordanza
Odia la pastorella
O crudel che il mio pianto non vedi
Rêve d'enfance
Les joyeux matelots
Viens, prier enfant
Dalla guancia scolorita
Toujours verser des larmes!
Chi per quest'ombre dell'umana vita
Le souvenir présent céleste
Arie e cantate :
Fenesta ca lucive
T'intendo, sì, mio cor
No, traditor non curo, aria per soprano e pianoforte
Sì, per te gran nume eterno, cavatina per soprano e orchestra
Gioite, amiche contrade, aria di Cerere, per soprano e orchestra
E nello stringerti a questo core, aria per voce e orchestra
Torna, vezzosa Fille
Imene, cantata epitalamica per soprano, due tenori e orchestra
Quando incise su quel marmo, scena ed aria per contralto e orchestra
Giacché tu dei lasciarmi, scena ed aria per voce e pianoforte
Capriccio, ossia Sinfonia per studio in Do minore
Sinfonia in Si bemolle maggiore
Sinfonia in Do minore
Sinfonia in Re minore
Sinfonia in Re maggiore
Sinfonia in Mi bemolle maggiore
Concerto per oboe e orchestra
Musica per pianoforte :
Allegretto in Sol minore
Capriccio in Sol maggiore per pianoforte a 4 mani
Polacca per pianoforte a 4 mani
Sonata in Fa maggiore per pianoforte a 4 mani
Pensiero musicale
Tema in Fa minore
Capriccio ad uso della Signorina Luisella D'Andreana
Musica per organo :
Sonata in Sol maggiore
Cor mundum crea in Fa maggiore, per voci soliste e organo
Credo in Do maggiore, per 4 voci e orchestra
Cum sanctis
De torrente
Dixit Dominus per solisti, 4 voci e orchestra
Domine Deus
Gallus cantavit
Gratias agimus in Do maggiore, per soprano e orchestra
Juravit
Kyrie
Laudamus te
Litanie pastorali in onore della Beata Vergine per 2 soprani e organo
Magnificat per 4 voci e orchestra
Messa in Re maggiore per 2 soprani, tenore, basso e orchestra
Messa in Sol maggiore per 2 soprani, tenore, basso e orchestra
Messa in La minore per soprano, contralto, tenore, basso, 4 voci e orchestra
Pange lingua per 2 voci e organo
Qui sedes
Qui tollis
Quoniam per tenore, 4 voci e orchestra
Quoniam per soprano e orchestra
Salve regina in La maggiore, per 4 voci e orchestra
Salve regina in Fa minore, per basso e organo
Tantum ergo in Re maggiore per contralto e orchestra
Tantum ergo in Mi maggiore, per voci soliste, coro e orchestra
Tantum ergo in Fa maggiore, per 2 voci e orchestra
Tantum ergo in Sol maggiore, per soprano e orchestra
Tantum ergo con Genitori in Sib maggiore, per soprano e orchestra
Tantum ergo con Genitori in Mib maggiore, per soprano e orchestra
Tantum ergo con Genitori in Fa maggiore, per 2 soprani, 4 voci e orchestra
Tantum ergo in Fa maggiore, per soprano e orchestra
Tantum ergo con Genitori in Sol maggiore, per coro e orchestra
Te Deum in Do maggiore, per 4 voci e orchestra
Te Deum in Mib maggiore, per 4 voci e orchestra
Versetti da cantarsi il Venerdì Santo per 2 tenori e orchestra
Virgam virtutis
Sigmund Freud, nasce il 6 Maggio 1856, muore il 23 Settembre 1939.
Il Quarto Stato è un Dipinto a olio su tela (293×545 cm) del Pittore italiano Giuseppe Pellizza da Volpedo, realizzato dal 1898 al 1901 e conservato al Museo del Novecento di Milano.
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Il Quarto Stato raffigura un gruppo di Braccianti che marcia in segno di protesta in una Piazza, presumibilmente quella Malaspina di Volpedo. L'avanzare del corteo non è violento, bensì lento e sicuro, a suggerire un'inevitabile sensazione di vittoria: era proprio nelle intenzioni del Pellizza dare vita a «una massa di popolo, di Lavoratori della terra, i quali intelligenti, forti, robusti, uniti, s'avanzano come fiumana travolgente ogni ostacolo che si frappone per raggiungere luogo ov'ella trova equilibrio».
Assai pregnante è anche il significato del dipinto, che si discosta da quello dei precedenti Ambasciatori della fame e Fiumana: mentre prima Pellizza voleva solo disegnare una Manifestazione di strada, come già avvenuto con altre opere coeve (tra cui La piazza Caricamento a Genova di Nomellini e L'oratore di sciopero di Longoni), ora intende celebrare l'imporsi della classe operaia, il «quarto stato» per l'appunto, a fianco del ceto borghese.
In primo piano, davanti alla folla in protesta, sono definiti tre soggetti, due uomini e una donna con un bambino in braccio. La Donna, che Pellizza plasmò sulle fattezze della moglie Teresa, è a piedi nudi, e invita con un eloquente gesto i manifestanti a seguirla: la sensazione di movimento trova espressione nelle numerose pieghe della sua veste. Alla sua destra procede quello che probabilmente è il Protagonista della Scena, un «Uomo sui 35, fiero, intelligente, lavoratore» (come affermò lo stesso Pellizza) che, con una mano nella cintola dei pantaloni e l'altra che regge la giacca appoggiata sulla spalla, procede con disinvoltura, forte della compattezza del corteo. Alla sua destra vi è un altro uomo che avanza muto, pensoso, con la giacca fatta cadere sulla spalla sinistra.
La quinta costituita dal resto dei Manifestanti si dispone sul piano frontale: quest'ultimi rivolgono lo sguardo in più direzioni, suggerendo di avere il pieno controllo della situazione. Tutti i Contadini compiono gesti molto naturali: di questi, taluni reggono bambini in braccio, altri appoggiano la mano sugli occhi per ripararli dal sole, e altri ancora, semplicemente, guardano diritti davanti a loro.
Le figure dei Contadini sono disposte orizzontalmente, secondo i dettami della composizione paratattica: questa soluzione compositiva, se da un lato ricorda il Classicismo del fregio, dall'altra evoca brutalmente una situazione molto realistica, quale può essere - per esempio - una manifestazione di strada. È in questo modo che Pellizza fonde armoniosamente i «valori riferiti all'antica civiltà classica alla moderna consapevolezza dei propri diritti civili»; questo connubio si manifesta anche nelle reminiscenze rinascimentali dell'Opera, che si ispira nell'espressività delle figure direttamente a capolavori quali la Scuola di Atene di Raffaello e l'Ultima Cena di Leonardo da Vinci.
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Nel 1803, presso il Monastero di Benediktbeuren (Bura Sancti Benedicti) in Alta Baviera, fu rinvenuta una vasta raccolta di Testi poetici medioevali risalenti al tredicesimo Secolo, cui venne attribuito il nome di “Carmina Burana”.
Scritti in lingua latina, e parzialmente in tedesco antico e in provenzale, questi componimenti presentano un contenuto quanto mai vario che va da temi strettamente religiosi ad argomenti naturalistici, goderecci e talvolta licenziosi.
Essi nacquero nell’ambiente dei così detti “clerici vagantes”, cioè di giovani studenti che nel Medioevo si trasferivano da un’università all’altra in cerca di nuovi Maestri e nuovi saperi, conducendo spesso un’esistenza libera e talvolta sfrenata.
Le liriche dei Carmina contengono anche indicazioni musicali frammentarie e di difficile o dubbia interpretazione.
Nel 1937 il Compositore, didatta e
umanista bavarese Carl Orff (1895-1982) trasse da tale fonte poetica
un “Oratorio scenico” il cui titolo recita testualmente: “Carmina
Burana. Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae
comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis” (Canti profani
per Cantanti e Cori accompagnati da strumenti e immagini magiche).
La loro Esecuzione, possibile in forma
semplicemente concertistica, trae il suo massimo significato dalla
rappresentazione in forma scenica, come del resto previsto
dall’Autore.
Il linguaggio musicale di Orff è caratterizzato
dal rigetto di ogni influenza tardo-romantica, come pure delle
esperienze delle avanguardie novecentesche, in favore di un ritorno
alla primordiale semplicità della parola e del ritmo. La
declamazione scandita, la reiterazione ossessiva e quasi incantatoria
di semplici formule melodiche e ritmiche, nonché il ricorso
all’antica modalità, sono alla base del fascino ancor oggi
esercitato dalle sue Composizioni e di questa in particolare.
I Carmina di Orff utilizzano i
testi di 24 Liriche e sono strutturati in cinque parti, introdotte e
concluse dal celebre e… gettonatissimo coro “O Fortuna”. La
fortuna, intesa come sorte o fato, viene proclamata “Imperatrice
del mondo” ed è rappresentata da una ruota che, girando
costantemente, determina le vicende umane, l’ascesa, l’apice e la
caduta delle umane ambizioni. Essa è anche l’immagine simbolica
dell’alternarsi delle stagioni in natura e nella vita stessa
dell’Uomo.
PROLOGO – “O Fortuna”
“Fortune
plango vulnera” (Piango le ferite della Fortuna). Con un Coro
all’unisono si lamenta la volubilità della Fortuna che, dopo avere
esaltato le sorti umane, ne provoca la rovinosa caduta
PARTE I – “Primo vere” (In
primavera)
Il Coro sottolinea il dolce rinascere della natura dopo
i rigori invernali e il solista invita a godere del tiepido sole che
risveglia i sensi da un lungo torpore. Un Coro gioioso esalta poi gli
splendori primaverili e invita tutti all’allegrezza.
PARTE II – “Uf dem Anger” (Sul
prato)
Il quadro si apre con una danza, unico Brano strumentale
dell’Opera. Nel successivo “Floret silva nobilis” (La nobile
foresta rinverdisce) le fanciulle rimpiangono i loro amici lontani,
ma la lunga attesa viene ben presto rallegrata dal loro ritorno.
Segue il vivace “Chramer, gip die varwe mir” (Mercante, dammi del
colore) dove le fanciulle si truccano e si fanno belle per piacere ai
loro Uomini che le osservano ammirati… Con un allegro girotondo
(Reie) si festeggiano gli amori ritrovati e il Coro conclude
gioiosamente: “Were diu werlt alle min” (Se il mondo fosse tutto
mio!).
PARTE III – “In taberna”
(All’osteria”)
E’ questa la parte musicalmente e visivamente
più originale dell’Opera, ricca di trovate e di situazioni
esilaranti.
Si inizia col solista che intona “Estuans interius” (Divorato dall’ira veemente) evocando le inquietudini e i desideri della giovinezza, rendendosi conto però che esse distruggeranno la sua anima. Nella scena successiva “Olim lacus colueram” (Un tempo abitavo il lago), un povero cigno arrostisce sul girarrosto e piange la sua sorte crudele. Ma, mentre i commensali dell’osteria stanno per addentarlo, se ne fugge via quatto quatto… Interviene poi il re della festa, proclamando solennemente: “Ego sum abbas Cucaniensis” (Io sono l’abate di Cuccagna) e incita tutti i presenti ai piaceri del mangiare e del bere. Segue un coro travolgente che canta: “In taberna quando sumus” (Quando siamo all’osteria) e dichiara che il vino rende uguali tutti gli uomini, qualunque sia la loro condizione e classe sociale.
PARTE IV – “Cours d’amour” (Le
corti d’amore)
Vengono qui rappresentati con grande ricchezza di
accenti gli aspetti contrastanti dell’amore sensuale. L’alternanza
dei singoli quadri mette in scena il desiderio più sfrenato accanto
a momenti intensamente espressivi, come il breve assolo del Soprano
“In trutina” (Sulla bilancia). Helena, Nobile fanciulla, si
mostra esitante tra il desiderio dei sensi e il suo innato pudore,
finché, dopo un vivace intervento del coro “Tempus est iocundum”
(Tempo felice è questo), cede alle offerte di Blanziflor:
“Dulcissime” (A te o dolcissimo).
PARTE V – “Blanziflor et Helena”
(Biancofiore ed Elena)
Qui si conclude la parte precedente col
Coro “Ave formosissima” (Salute a te, o bellissima), un Inno che
esalta l’unione dei due giovani amanti.
FINALE – “O Fortuna”
Un colpo
di martello del Fato interviene a questo punto inaspettato e ci
riporta direttamente al punto di partenza, pronti per un nuovo e
inesorabile giro della ruota della Fortuna…